Daniel Cánogar, Teoría del Descarte EnCCEC. Entre Rios, 40

Muestra Daniel Cánogar
La Teoría del Descarte
La Inauguración fue el 15 de Junio. 20:30
CCEC. Entre Rios, 40

+Información http://www.danielcanogar.com/
"Para no perdersela, es muy interesante la propuesta"
La informacion siguiente la rescate de la pagina del Centro Cultural España. Felicitaciones a este Centro Cultural por brindarle este espacio al artista Canogar y al artista por su obra.
Según la hipótesis de la sociedad de la información, la circulación de conocimiento y sus innumerables vías son hoy la base de nuestro progreso. La comunicación fluye, se desborda y nos aborda sustituyendo lo inservible por lo obsoleto, forzándonos a una renovación no basada en lo disfuncional sino en el pánico infundado por desactualizarnos.
La teoría del descarte dicta la cultura contemporánea. Lo cambiante, lo estacional fruto de la circulación de la información es el fundamento de nuestra vertiginosa existencia. Sin embargo la superposición de conocimientos no da margen para pensar sobre lo verdaderamente descartable. Pasamos de un estado a otro sin tiempo para la reflexión y mucho menos para conservar lo desechado en una suerte de continua metamorfosis, mediante la ingesta de una información que nos rodea hasta saturarnos.
En medio de esta vorágine Sherry Turkle afirma que los ordenadores son el espejo psicológico donde nos contemplamos. Si la tecnología finalmente se ha humanizado entonces -al igual que nosotros- tiene un pasado, una historia, pero esta se olvida sustituyéndola por otra de temporada. Somos computadoras funcionando durante un tiempo hasta que nos apagamos, y al igual que ellas somos apartados a pesar de seguir conservando nuestras virtudes.
Pero toda modernidad tiene sus rebeldes y hoy estos no se sublevan contra el progreso, sino contra los sistemas impuestos que lo hacen avanzar. Así, Daniel Canogar es uno de esos agitadores, un infiltrado que juega con aventajada creatividad en el tablero de una materia que el resto creemos inservible, sacando partido al generar nuevas estéticas más inclusivas. Cánogar descubre y exhibe el alma de los restos, de los escombros, de fragmentos que guardan testimonios escondidos con recelo en lugares inmundos, degradados. Recuperándolos e insertándolos de nuevo en el circuito de lo cotidiano mediante una labor semiótica de reciclaje .Una lección para la sociedad que esconde sus miserias.
Estas metáforas tecnológicas convierten a Cánogar en un poeta de los nuevos medios, comprometiendo nuestra ética en un intento por revalorizar la memoria, la historia, la identidad desechada en esta lucha por la renovación, mediante ensayos imnóticos de nuevos sentidos que nos ofrecen un momento para la desconexión. Una tregua a esta saturación en medio de la cultura de lo volátil donde todo es obligadamente efímero.
Las acciones que se presentan en la muestra, conforman un testimonio más por el cual, a través de la tecnología, se pueden expresar con naturalidad los problemas, las carencias y las necesidades de nuestra vida diaria.

Darío Tobes

Mis más recientes instalaciones han sido construidas con material electrónico encontrado en basureros, vertederos y centros de reciclaje: cables telefónicos, informáticos y eléctricos de múltiples colores, miles de bombillas fundidas, metros de cinta de video, viejas máquinas tragaperras, DVDs, etc. Estas instalaciones exploran la corta vida de las tecnologías que desechamos y su relación con la mortalidad.
Estas instalaciones también buscan reanimar lo inanimado. Animaciones de luz proyectadas aparentan liberar la energía almacenada en el material eléctrónico, despertando memorias en su pasado.
A través de mi trabajo intento dar vida a estos materiales que han muerto, mostrar sus secretos, reavivar la memoria colectiva que contienen para construir un retrato de una sociedad y una época
Daniel Cánogar
BIO
Nacido en Madrid en el año 1964. Como artista visual trabaja con fotografía, video, escultura e instalación. Ha realizado diversos trabajos en espacios públicos, entre los que se puede destacar:
-Travesías, Para el Consejo de la Unión Europea en Bruselas con motivo de la presidencia española de la Unión Europea en el 2010
-Constelaciones, El mosaico fotográfico más grande de Europa
-Nodi, Murales fotográficos en la estación de tren de Arensa en Nápoles
-Clandestinos, video proyección sobre monumentos emblemáticos -la Puerta de Alcalá de Madrid, iglesia de San Pietro in Montorio en Roma o los Arcos de Lapa de Rio de Janeiro-
Sus trabajos se han expuesto en:
-Museo de Ciencias Naturales, Nueva Cork
-Museo Andy Warhol, Pittsburg
-Museo de Arte Contemporaneo Reina Sofia, Madrid;
-Galerie Guy Bärtschi, Ginebra;
-Caprice Horn Gallery, Berlín;
-Mimmo Scognamiglio Artecontemporanea,
-Milano; Bitforms Gallery, Nueva York;
-Wexner Center for the Arts, Ohio;
-Offenes Kulturhaus Center for Contemporary Art, Linz, Austria;
-Museo Kunstsammlung Nordrhein Westfallen, Dusseldorf;
-Museo Hamburger Banhof, Berlín;
-Mattress Factory Museum, Pittsburgh.
Etc

Walter Ludueña. Pinturas. En Galeria Cerrito

El jueves 1 a las 20 abrio al público en la galería Cerrito (Independencia 180) una exposición de Walter Ludueña.
Su lenguaje es un neo-relismo donde la luz escenica crea un clima teatral y onirico muy personal y de gran calidad pictorica.A la hora de abordar los temas es Walter Ludueña quien nos sorprende desde la propuesta de ese mundo magico donde cohabitan, musicos, actores, saltimbanquis o personajes imaginarios a partir de un modelo vivo desnudado y reinventado desde lo mas profundo de su yo donde se conjugan el drama y las alegrias como en el mismo teatro, es decir como en la vida misma.

Asimismo, los días 13 y 14 de este mes, juntamente con Galería Marchiaro, Galería Via Margutta, Espaciocentro, Praxis, Galería María Elena Kravetz y Arte Casa, se llevará a cabo el evento bautizado como "Noche de Arte, Gallery Nights", oportunidad en la que se podrá recorrer este circuito de galerías hasta la medianoche. Finalmente, el 20 de diciembre se podrá visitar la muestra colectiva del taller que coordina Rafael Cerrito junto a los artistas Martín Breccia, Ariel Martínez Archina y Sergio Díaz.

Noé-Tomasello dos jóvenes artistas

Luis Felipe Noé es un jóven artista inquieto, de estar atento a los acontecimientos del mundo. Esta vez su mirada deambula entre el enorme mural de 11 metros de largo que está en la sala 3 del Museo Caraffa, y el conjunto de pinturas de formas irregulares que se va armando enfrente, titulado Nos estamos entendiendo. En el proceso de montaje de su obra Red/Net, el envío argentino a la 53ª Bienal de Venecia (la última edición celebrada en 2009), el artista acota que esta obra es como un patchwork en función del dibujo y la pintura: una composición muy dinámica.En esta obra, la línea de color vibrante es el gran nexo, el activador de la imagen fragmentada y variada

Luis Tomasello otro jóven artista que expone en el Caraffa, día a día descubre el maestro las potencialidades, cada vez mayores, de las figuras geométricas, en la medida que avanzan sus investigaciones sobre el binomio luz y el color, tan caro al creador. Aplica el pigmento en ellas pero justo en las caras ocultas al ojo del espectador, de tal manera que este solo alcanza a visualizar el reflejo en la superficie de fondo, es decir en la atmósfera o color transparencia que la rodea. El color nace de la forma que lo contiene, la luz ayuda en el alumbramiento, el ojo humano lo transforma de visión en sensaciones.

MUSEO DE BELLAS ARTES "EMILIO CARAFFA"Felipe Noe

Nació en Buenos Aires, Argentina, en 1933. Estudió Derecho en la Universidad de Buenos Aires y asistió al Taller de pintura de Horacio Butler. Su formación artística es prácticamente autodidacta.
Pertenece al grupo de artistas que rompió con la tradición de la pintura nacional, dando inicio, en 1961, a la Nueva Figuración argentina. Su pintura es salvaje, barroca y superabundante. Tiene por tema el caos, como principio fundacional del lenguaje de la pintura y de la reflexión latinoamericana.
Ha expuesto individualmente en importantes galerías y museos como: Museo Nacional de Bellas Artes, Caracas (1968); Centro de Arte y Comunicación, Buenos Aires (1992); Museo del Palacio Nacional de Bellas Artes, México (1996) y Centro Cultural Borges, Buenos Aires (1998). Destacan sus colectivas en: Galería Peuser, Buenos Aires (1961); Gemeent Museum, La Haya (1964); Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires (1991), y su participación en las bienales de La Habana (1984), Sao Paulo (1985) y Mercosur (1997). Entre los reconocimientos obtenidos por este artista figuran: Premio Nacional Di Tella (1963), Beca Guggenheim (1965 y 1966), Premio a la Trayectoria Artística de la Asociación Argentina de Críticos de Arte (1984), Gran Premio Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires (1997) y Premio Rosario a la Trayectoria, Argentina (2000).

MUSEO DE BELLAS ARTES "EMILIO CARAFFA"Luis Tomasello

"La obra de Luis Tomasello está inscripta en un espacio cronotemporal definido y cierto. Más de medio siglo transcurrido desde sus planteos iniciáticos, no sólo la ha consolidado en sus enunciados e idearios estéticos, sino, fundamentalmente, generado nuevas miradas integradoras de su lógica del ritmo.Tomasello concibe la abstracción como un campo mutable, cargado de energía y, sin embargo, suspendido en un espacio virtual. Animan su espíritu concretizante desde Malevich a Mondrian, pasando por las auras de Albers y Vasarely. Y sin embargo, como sucede en los auténticos creadores, su obra goza de un aire propio, de una huella indiscutible, que el artista reconoce y ahonda sin apropiaciones espúreas" expresa Jorge M. Taverna Irigoyen, Presidente de la Academia Nacional de Bellas Artes, en el texto curatorial. Por su parte el Prof. César López Osornio, Director General MACLA, escribe: "Tomasello encara el hacer desde una contemplación arraigada en el vivir experimentado y, como el arquero Zen, sabe por asumido que el blanco a apuntar está dentro, no fuera. En su obra no hay artificios ni “espectáculos” visuales. Su creación es producto de una revelación que se da desde un silencio que promueve la libertad ontológica. En el aparente hieratismo de sus trabajos encontramos sutiles instantes percibidos en imperceptibles movimientos. Su simetría isométrica y el perfecto espacio creado entre cuerpo y cuerpo producen una oscilación ocular, ya con tonos iridiscentes en una refracción especular, ya con sombras cambiantes según nos estamos moviendo".

MUSEO DE BELLAS ARTES "EMILIO CARAFFA" Mario Quinteros

Tramatrazo es una obra de 0,19 por 45 metros de dibujo con grafito sobre papel.
"Cuando Mario Quinteros, hace ya un tiempo (antes de que naciera el proyecto de La Línea Piensa) llegó por primera vez a mi casa, en uno de sus viajes que, de tanto en tanto, emprende desde su ciudad, Resistencia, hasta Buenos Aires, me trajo para que la viera undejó estupefacto, pero pleno de admiración

En esta muestra se expone, un rollo de 50 mts. en el cual se da testimonio de la vida de un dibujo. A partir de una simple línea la obra va complejisándose, llegando a constituir un tejido primero y luego una trama (esta palabra rima con drama) hasta volver a lo que era en su origen una mera línea. Pero lo que tiene este dibujo de extraordinario es que es como un relato de la vida humana. Sin embargo, no hay ni la menor insinuación figurativa. Se puede leer como una cadena de dibujos, cada uno de una riqueza notable y singular, pero, lo cierto, es que el elemento fundamental es que es un solo dibujo transformándose. Ver esta obra es estar oyendo con los ojos una magnífica sinfonía o mirando un film que no se mueve ante nosotros sino que nosotros ante él.Mario Quinteros es un gran dibujante, que a partir de su elemento preferido -el grafito- explora sus mil ocurrencias, convirtiéndose cada obra en una nueva y desafiante propuesta. En este caso, hemos preferido privilegiar por sus dimensiones y su singularidad al rollo desenrollado.El concepto de rollo tiene de por si una tradición que nos remonta a la Antigüedad, pero este es un rollo en tiempos de red (o de Internet).Exponer esta obra ha sido un gran desafío, para lo que se llama montaje de una muestra. "Segun Luis F. Noe

Visistar http://dibujantegris.blogspot.com/

MUSEO DE BELLAS ARTES "EMILIO CARAFFA" Hernán Dompé

Las esculturas de Hernán Dompé tienen como referente la iconografía de los pueblos originarios de América. Sus tótems, sus guerreros, sus armas, sus barcos, evocan un mundo religioso y social muy distinto del nuestro. Su obra nos señala el momento histórico en que la escultura no estaba separada del tejido social, como imagen cultual.
El gesto de Dompé no parece nostálgico, sino más bien afirmativo; hay aquí una voluntad de recuperar algo de ese sentido perdido. En la instalación que hoy presenta, la escena es el instante previo a una batalla, a esa hora del amanecer cuando los guerreros se reúnen con las primeras luces y se preparan para el combate. La instalación es como un rompecabezas que invita al espectador a la indagación de esos elementos dispersos que hablan de una experiencia, hoy perdida, de la guerra, una experiencia que aparece en muchos textos canónicos de las culturas antiguas.
Los más de 35 guerreros son construidos por el artista en madera, hierro, cobre, cuero y materiales reciclados de uso rural, partes de cosechadoras y arados, entre otros



Visistar http://www.hernandompe.com/spa.htm




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